Steve Reich: musica contemporanea

Sep 14, 2023

Non mi interessa quanto le persone comprendano cosa sto facendo, a meno che siano musicisti nel mio ensemble o in altri ensemble. Voglio solo che le persone si emozionino con la musica. Se non ti emozioni con la musica, allora tutto il resto svanisce. Non ti interessa il testo, non ti interessa come è stato fatto, e non ti interessa intervistare il compositore e tutto il resto.

Tutta la musica proviene da un tempo e da un luogo. Sono nato e cresciuto a New York. Mi sono trasferito fuori da New York, ma è dentro di me e lo sarà fino a quando mi metteranno in una scatola nel terreno.

Steve Reich

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Non so bene perché, ma Steve Reich è stata la mia porta di accesso alla musica contemporanea. Le arrampicate intellettuali di Berio, Nono, Maderna e della musica postdodecafonica mi innervosivano e mi innervosiscono. La vecchia Europa si è indubbiamente incartata artisticamente nel secondo dopoguerra e l’America è diventata anche su un piano creativo propulsiva.

Gli anni magici di Rothko, Pollock, Gottlieb prima e Warhol poi, hanno creato un’onda che si riverbera anche sulla musica. Dalla seconda metà degli anni 50, chiusa la parentesi oscurantista del maccartismo in cui possiamo vedere molte delle ossessioni emotive dell’America di oggi, gli Stati Uniti diventano anche per le arti una realtà creativa centrale per innovazione e capacità d’elaborazione e così sarà per quasi 30 anni. Nasce un’estetica capace di coniugare, linguaggi diversi, non sono infatti gli USA un paese fatto da migranti e nativi checché ne dicano i suprematisti bianchi? Migranti e nativi con tradizioni diverse alle spalle e che nel nuovo mondo operano una fusione estremamente interessante tra riferimenti lontani.

E mentre l’Europa si ritrova spesso incatenata a rigidità, intellettualismi e gelosie tra nazioni, in America tutto assume un dinamismo particolare. Degli artisti Americani si apprezza la semplicità, la freschezza, un linguaggio diretto e lontano dalle pastoie formali in cui indubbiamente si era persa l’Europa ferita da una guerra fratricida. Dalla fine degli anni 60 in poi Steve Reich insieme a Philip Glass, La Monte Young e Terry Riley è tra i protagonisti della corrente minimalista, ma i suoi lavori sono fecondati dalla musica Africana, con particolare riferimento alle composizioni per percussioni, dal jazz e naturalmente, dalla musica classica e dalla cultura ebraica, in quel “calderone di linguaggi e culture” a cui accennavo prima.

Gli artisti americani si muovono liberamente ed in modo spregiudicato, sia nelle arti figurative che nella musica, viaggiano dalle influenze etniche al jazz che nell’improvvisazione ha un approccio metodologico e non si chiudono in astrusi formalismi, non si lasciano ingabbiare da automatismi o dalla rigidità di linguaggi predefiniti. Forse un ragionamento simile lo si potrebbe fare anche per la letteratura. Così non c’è da sorprendersi nel trovare un Pat Metheny pronto a dare la sua musicalità in prestito al Maestro per regalarci la bellissima Electric Counterpoint, composizione carica di colori e timbriche. La primavera sta esplodendo e le viole crescono spontanee tra la ghiaia, una forma di bellezza spontanea senza bisogno di cure. Tutto ribolle di vita, sbocciando su un cielo azzurro su cui stanno sospese centinaia di piccole nuvole bianche. La musica di Steve Reich è perfetta.

Arrivano premi e riconoscimenti a testimoniare lo spessore artistico del suo lavoro. Steve Reich ha vinto il premio Pulitzer per la musica con il brano Double Sextet e nel 2014 gli è stato assegnato dalla Biennale Musica di Venezia il Leone d’oro alla carriera. Il compositore americano è di famiglia ebraica ed è cresciuto all’interno di quella cultura omaggiandola a più riprese e raccogliendone la tradizione in chiave contemporanea. Il suo stile si avvale di un segno sonoro distintivo: gli sfasamenti ritmici che si verificano quando un medesimo frammento viene eseguito a velocità leggermente diverse. Una tecnica caratteristica di tutto il lavoro di Reich. Da questo procedimento nasce una pulsazione, il phasing, che ha sempre suscitato in me un forte sapore metafisico, un alito mistico e non sono il solo, visti i commenti che mi sono arrivati su Twitter quando ho annunciato il nostro musicista di questa settimana. La pulsazione reiterata, lo stato contemplativo a cui rimandano le ripetizioni di alcune linee compositive aprono spazi emotivi che non credo sia scorretto collegare ad un’idea e ad un’esperienza di spiritualità.

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Grandi esecutori come il Kronos Quartet, Pat Metheny e altri hanno messo a disposizione le loro capacità di strumentisti eseguendo le composizioni del Maestro newyorkese. La Grande Mela tanto amata da Reich, in cui vive e che ama. Ascoltandone la musica si sente il respiro di New York, l’incrociarsi delle persone per strada, i colori, i suoni, a definire un ritmo, una pulsazione che sublima la città stessa, il suo essere organismo complesso e vivente. Siamo di fronte ad una musica che chiede sicuramente pazienza, ma le trame sonore dei lavori meglio riusciti di Reich, regalano emozioni sonore non indifferenti. Certo bisogna concedersi lo spazio per una fruizione non di tre minuti e non si circoscritta in pochi discorsi su sole e amore: serve un briciolo di impegno. Come costruzioni invisibili create con il suono, i mattoni musicali si ripetono in modo apparentemente uguale, ma la trama circoscrive spazi che svelano nel tempo architetture di grande bellezza ed il phasing ha un forte impatto emotivo.

Il tempo ha guidato anche la mia mano nel comporre la playlist. Vi propongo prima una raccolta di assaggi e per concludere un’opera completa. Due tempi, come a teatro, così da non stancarvi. A volte scoprire la bellezza coincide con l’accortezza di concedersi la pazienza di cercarla: non si trovano tesori dando un calcio distratto ad un sasso. Chiudiamo con una nota malinconica per un’America, quella di Steve Reich, Warhol e Prima di Pollock, De Kooning, Rothko che oggi ci appare lontana anni luce, di fronte ad un evidente imbarbarimento, ad un nuovo oscurantismo, al dolore di vedere libertà di cui era prima custode cancellate. Oggi guardiamo alla Statua della Libertà come al monumento di un tempo andato. Finirà anche questo oscurantismo però, come il fluire di tutte le cose e degli umani di passaggio sul pianeta, flusso esistenziale e sapore spirituale che è forse il tratto fondamentale della musica di Steve Reich. Buon ascolto. CLICCATE QUI per entrare nel mondo di Steve Reich e scoprire l’intrigante bellezza che fonde la tradizione ebraica, le influenze africane e la musica contemporanea.

Steve Reich: contemporary music.

I don’t care how much people understand what it is that I’m doing, except if they’re players in my ensemble or other ensembles. I just want people to be moved by the music. If you’re not moved by the music, then everything else falls away. You’re not interested in the text, you’re not interested in how it was done, and you’re not interested in interviewing the composer and all the rest of it.

All music does come from a time and place. I was born and raised in New York. I moved out of New York, but it’s inside of me and it will be inside of me until they put me in a box in the ground.

Steve Reich

I don’t really know why, but Steve Reich was my gateway into contemporary music. The intellectual climbs of Berio, Nono, Maderna, and post-dodecaphonic music used to—and still do—make me nervous. Old Europe undoubtedly got artistically tangled in the postwar years, while America became creatively propulsive as well.

The magical years of Rothko, Pollock, and Gottlieb, followed by Warhol, created a wave that reverberated even through music. From the mid-1950s onward—after the dark chapter of McCarthyism, in which we can already glimpse many of the emotional obsessions of today’s America—the United States became a central creative force in the arts, both for innovation and for the ability to process and elaborate ideas, and it would remain so for almost thirty years. A new aesthetic was born, capable of blending different languages—after all, aren’t the USA a nation made up of migrants and natives, no matter what white supremacists claim? Migrants and natives with diverse traditions behind them, who in the New World performed an extremely interesting fusion of distant references.

While Europe often found itself chained by rigidity, intellectualism, and national jealousies, in America everything took on a special dynamism. What we admire in American artists is their simplicity, freshness, and a direct language far removed from the formal constraints in which war-torn Europe had lost itself. From the late 1960s onward, Steve Reich—together with Philip Glass, La Monte Young, and Terry Riley—became one of the leading figures of the minimalist movement. Yet his work was nourished by African music (especially percussion-based compositions), by jazz, and naturally by classical music and Jewish culture—within that “melting pot of languages and cultures” I mentioned earlier.

American artists move freely and fearlessly, in both the visual arts and music. They travel through ethnic influences and jazz, which in its improvisation follows a methodological approach. They avoid abstruse formalism, refuse to be trapped by automatism or the rigidity of predefined languages. Perhaps a similar argument could be made for literature. So it’s no surprise to find Pat Metheny lending his musicality to the Maestro to gift us the beautiful Electric Counterpoint, a composition rich with color and timbre. Spring is bursting forth, violets grow spontaneously among the gravel—a form of beauty that needs no care. Everything bubbles with life, blooming under a blue sky dotted with hundreds of small white clouds. Steve Reich’s music is perfect for this moment.

Awards and honors followed, testifying to the artistic depth of his work. Steve Reich won the Pulitzer Prize for Music with Double Sextet, and in 2014 he received the Golden Lion for Lifetime Achievement from the Venice Biennale Musica. The American composer, born into a Jewish family, grew up within that culture, paying homage to it repeatedly and reinterpreting its traditions in a contemporary key. His style features a distinctive sonic hallmark: the rhythmic shifts that occur when the same fragment is played at slightly different speeds. This characteristic technique runs through all of Reich’s work. From this process emerges a pulsation—phasing—which has always carried, for me, a strong metaphysical flavor, a mystical breath. And I’m not alone, judging from the reactions I received on Twitter when I announced this week’s featured musician. The repeated pulsation, the contemplative state evoked by the reiteration of certain compositional lines, open emotional spaces that I believe can rightly be connected to an idea and experience of spirituality.

Great performers such as the Kronos Quartet, Pat Metheny, and others have lent their instrumental skills to interpreting the New York Maestro’s compositions. The Big Apple, so beloved by Reich—where he lives and which he loves—can be heard breathing through his music: the crossing of people in the streets, the colors, the sounds—all defining a rhythm, a pulse that sublimates the city itself, its being a complex and living organism. This is music that certainly requires patience, but the sound textures of Reich’s finest works offer extraordinary emotional rewards. One must allow space for listening that lasts more than three minutes and isn’t confined to simple themes of sun and love—it demands a bit of commitment. Like invisible constructions made of sound, his musical bricks repeat in an apparently identical way, yet the texture delineates spaces that gradually reveal architectures of great beauty, and the phasing has a powerful emotional impact.

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Time also guided my hand in composing the playlist. I suggest first a selection of samples, and then a complete work to close—a two-act experience, like in the theater, so as not to tire you. Sometimes discovering beauty coincides with having the patience to look for it: treasures aren’t found by idly kicking a stone. We close on a note of melancholy—for the America of Steve Reich, Warhol, and before them Pollock, De Kooning, Rothko—that today seems light-years away, as we face a new barbarism, a new obscurantism, the sorrow of seeing freedoms once guarded being erased. Today we look at the Statue of Liberty as a monument to a bygone era. Yet this obscurantism, too, will end—like all things and all humans passing through this planet, in that existential flow and spiritual flavor that are perhaps the defining traits of Steve Reich’s music. Enjoy listening. CLICK HERE to enter Steve Reich's world and discover the intriguing beauty that merges Jewish tradition, African influences, and contemporary music.

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