Philip Glass: musica contemporanea.
Una nuova lingua richiede una nuova tecnica. Se ciò che stai dicendo non richiede una nuova lingua, allora probabilmente ciò che stai dicendo non è nuovo.
Una delle magliette di Allen Ginsberg diceva: "Beh, finché sono qui, farò il lavoro. E qual è il lavoro? Alleviare il dolore di vivere. Tutto il resto, uno spettacolo ubriaco senza senso."
Philip Glass
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C’era una volta in America una creatività oggi azzerata nel pantano della woke culture progressista prima e annichilita nella simmetrica reazione post-fascista degli oligarchi digitali poi. Una creatività fiorita nella gioventù di Philip Glass, l’ormai ottantotenne compositore americano.
Glass ascolta dischi nel retrobottega del negozio del padre a Baltimora, fino alla fuga a New York per cercare fortuna come musicista, intrufolandosi nei jazz club e da innamorato dell’Oriente cercando sempre nuovi stimoli in altre culture. Il compositore sbarca il lunario facendo il tassista, l’idraulico e occupandosi di traslochi in società con l’amico di avventure Steve Reich, per arrivare, come in tutte le storie americane a lietofine, ad essere celebrato come uno dei più grandi compositori viventi già alla fine del XX secolo.
Philip Glass è un self made man che realizza il suo american dream: erano altri tempi e sembrano drammaticamente lontani anni luce. Sarebbe bello spendere qualche parola sulla freschezza della cultura americana dal secondo dopoguerra fino almeno agli anni 80, cultura capace di innovare l’arte occidentale proponendo nuove visioni e nuovi linguaggi, ma non voglio tediarvi, magari ci ritorneremo. Il minimalismo è una di queste innovazioni appunto in campo musicale.
Glass attraversa gli anni 60 testimone dell’abbattimento di quelle barriere che in Europa dividevano la “musica colta” da quella popolare. Sono gli anni della Pop Art e di Andy Warhol e della definitiva intersezione tra popolare e colto. Insieme a Riley, Reich e La Monte Young si inventa il minimalismo come nuovo genere musicale, una modalità compositiva che ripete in un moto non più lineare e narrativo, ma circolare e reiterato un tema compositivo.
Schematizzando, il minimalismo come linguaggio consiste nella semplificazione del materiale musicale tradizionale e nella ripetizione di una frase con piccole variazioni, generando composizioni timbricamente uniformi, frequentemente tonali, e senza una struttura musicale definita dall’armonia. Sono composizioni che cambiano progressivamente, ma in modo quasi impercettibile e apparentemente statico, attraverso ripetizioni e sovrapposizioni ritmiche di cellule melodiche che possono generare, a volte, tessuti sonori complessi (alla fine della scaletta di oggi un bell’esempio di questa prassi compositiva).
La forza di Glass sta nell’esser stato capace di avvicinare alla musica contemporanea un pubblico ampio, anche grazie al cinema, sono infatti numerose le sue colonne sonore, utilizzando un linguaggio disponibile e senza barriere come scrivevo prima, le stesse che negli anni 60 in Europa erano appunto invalicabili, con un taglio netto tra musica colta e popolare e un linguaggio imperante, la postdodecafonia, molto difficile ed impervio per un pubblico non specialistico.
E noi cricca di ventenni postpunk come ci siamo fatti rapire dal minimalismo e da Philip Glass? Attraverso il cinema con il film di Godfrey Reggio Koyaanisqatsi. Reggio non è certo Orson Welles, ma per un quasi 20enne fu un’esperienza totalizzante, un film senza dialoghi, un flusso di immagini sulla vita alienante e distruttiva dell’uomo contemporaneo e suoni, nient’altro: amore a prima vista.
Altro fattore di interesse per la musica di Glass è stata appunto la commistione tra ambiti culturali diversi con grande trasversalità e curiosità, da qui le reinterpretazioni di Low di Bowie, trasformata in sinfonia, le puntate nel mondo della canzone, le soundtrack per il cinema, da “Truman Show” a “The Hours” per citarne solo due.
Philip Glass è stato per molti della mia generazione una porta di accesso a compositori più difficili e blasonati, un invito ad ascoltare altro dallo sferragliare punk, rock, wave, ad attraversare musiche di tribù diverse a testa alta, ad entrare in un teatro sfavillante ori come in un club tenebroso senza far differenze: ogni musica diventava degna di attenzione. Glass diventa popolare anche per le collaborazioni teatrali con Bob Wilson, dove l’aspetto musicale è centrale.
Da qui la riscrittura per orchestra anche di “Heroes” e l’estemporanea collaborazione con Aphex Twin, uno dei re dell’elettronica più estrema e di ricerca, di cui Glass ha orchestrato “Icct Hedral” restituendoci da un’altra prospettiva Mr Richard David James. Una delle influenze più importanti sul lavoro (e la vita) di Glass viene dall’oriente e dall’India (buddista praticante). Incontra a Parigi a metà degli anni 60 Ravi Shankar, durante la sua borsa di studio in composizione con Nadia Boulanger. Le tecniche compositive del grande musicista indiano lo influenzeranno moltissimo, portandolo decenni dopo anche a registrare un disco in collaborazione con Shankar. Glass guarda alle espressioni musicali di altri popoli con grande interesse, come testimoniano le sue composizioni per il film “Anima Mundi” e nuovamente con Godfrey Reggio per i film Powaqqatsi e Naqoyqatsi.
Ho visto Glass al Teatro Storchi di Modena tanti anni fa con il suo ensamble e mi ha restituito questo approccio eclettico, capace di cogliere in ogni suono planetario uno spunto da immergere in quel linguaggio minimalista che ha affascinato tanti musicisti, Max Richter, Michael Nyman. Ludovico Einaudi, Wim Mertens solo per citarne alcuni a caso tra i tanti assai debitori del Maestro americano. Ordunque eccomi nel mio ruolo di chef sonoro. CLICCATE QUI: vi ho cucinato una serie di composizioni di Philip Glass che spero vi incuriosiranno, preferendo la varietà alla coerenza, per regalarvi una carrellata tra le composizioni del prolifico compositore.
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Philip Glass: contemporary music.
A new language requires a new technique. If what you’re saying doesn’t require a new language, then what you’re saying probably isn’t new.
One of Allen Ginsberg’s T-shirts said, “Well, while I’m here, I’ll do the work. And what’s the work? To ease the pain of living. Everything else, drunken dumbshow.
Philip Glass
Once upon a time in America there was a creativity now wiped out in the swamp of progressive woke culture first, and then annihilated by the symmetrical post-fascist reaction of the digital oligarchs. A creativity that blossomed in the youth of Philip Glass, the now eighty-something American composer.
Glass listened to records in the backroom of his father’s shop in Baltimore, until he fled to New York to seek his fortune as a musician — sneaking into jazz clubs and, as a lover of the East, constantly searching for new inspiration in other cultures. To make ends meet, he worked as a taxi driver, a plumber, and a mover together with his friend and fellow adventurer Steve Reich. Eventually, as in all American stories with a happy ending, he was celebrated as one of the greatest living composers by the end of the 20th century. Philip Glass is a self-made man who fulfilled his American dream — but those were different times, which now seem tragically light-years away.
It would be worth spending a few words on the freshness of American culture from the postwar period up until at least the 1980s — a culture capable of renewing Western art by proposing new visions and new languages — but I don’t want to bore you; perhaps we’ll come back to it. Minimalism is one of these innovations, specifically in the musical field.
Glass lived through the 1960s as a witness to the breaking down of the barriers that, in Europe, divided “serious” music from popular music. These were the years of Pop Art, of Andy Warhol, and of the definitive intersection between the popular and the highbrow. Together with Riley, Reich, and La Monte Young, he invented minimalism as a new musical genre — a compositional mode that repeats a theme in a motion no longer linear and narrative, but circular and reiterative.
To simplify, minimalism as a language consists in the simplification of traditional musical material and in the repetition of a phrase with small variations, producing compositions that are timbrically uniform, often tonal, and without a musical structure defined by harmony. These works evolve progressively but almost imperceptibly, apparently static, through repetitions and rhythmic overlaps of melodic cells that sometimes generate complex sound textures (at the end of today’s playlist, you’ll find a fine example of this compositional practice).
The strength of Glass lies in his ability to bring contemporary music closer to a broad audience — also thanks to cinema, for which he composed numerous soundtracks — by using an accessible, barrier-free language, as I mentioned earlier. These barriers, in 1960s Europe, were impassable: there was a clear divide between serious and popular music, and the prevailing language, post-dodecaphony, was difficult and inaccessible to non-specialist audiences.
And how did we, a bunch of post-punk twenty-somethings, fall under the spell of minimalism and Philip Glass? Through cinema, with Godfrey Reggio’s film Koyaanisqatsi. Reggio is certainly no Orson Welles, but for an almost twenty-year-old it was a total experience — a film without dialogue, a flow of images depicting the alienating and destructive life of modern man, and sounds, nothing else: love at first sight.
Another point of fascination in Glass’s music was the blending of different cultural domains with great openness and curiosity. Hence his reinterpretation of Bowie’s Low, transformed into a symphony; his ventures into the world of song; his soundtracks for films such as The Truman Show and The Hours, to name just two.
For many in my generation, Philip Glass was a gateway to more demanding and prestigious composers — an invitation to listen beyond the clanging of punk, rock, or wave — to cross into the music of other tribes with our heads held high, to step into a glittering theatre or a shadowy club without distinction: every kind of music became worthy of attention. Glass also became popular through his theatrical collaborations with Bob Wilson, in which music played a central role.
From there came his orchestral reworking of Heroes and his spontaneous collaboration with Aphex Twin — one of the kings of experimental electronic music — for whom Glass orchestrated Icct Hedral, giving us a new perspective on Mr. Richard David James.
One of the most important influences on Glass’s work (and life) came from the East, and from India in particular (he is a practicing Buddhist). In Paris, in the mid-1960s, during his composition studies with Nadia Boulanger, he met Ravi Shankar. The great Indian musician’s compositional techniques profoundly influenced him, eventually leading to a joint album decades later. Glass looked to the musical expressions of other peoples with great interest, as shown by his scores for Anima Mundi and again with Godfrey Reggio for the films Powaqqatsi and Naqoyqatsi.
I saw Glass many years ago at the Teatro Storchi in Modena with his ensemble, and he conveyed that same eclectic spirit — the ability to find inspiration in every planetary sound and immerse it into that minimalist language which has fascinated so many musicians: Max Richter, Michael Nyman, Ludovico Einaudi, Wim Mertens — just to name a few of the many indebted to the American master.
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