John Abercrombie: jazz
If you listen to a lot of music, it gradually seeps into your consciousness or your unconsciousness and comes out in your music
To be creative and spontaneous, you have to live with imperfection.
John Abercrombie
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Foto dell’artista da giovane, mentre in realtà il nostro musicista di oggi riposa lontano dalla nostra dimensione terrestre e a 72 ci ha lasciato, lasciandoci però ottime musiche che ancor oggi si lasciano amare intensamente, almeno da chi scrive. Ci sono artisti che sembrano non appartenere del tutto a un tempo, ma lo attraversano con discrezione, come ombre gentili. John Abercrombie è stato uno di questi. Chitarrista di formazione classica, jazzista per necessità d’anima, sperimentatore per curiosità, ha saputo unire introspezione e avanguardia, melodia e rischio. In lui convivono due mondi: la compostezza della scuola e l’irrequietezza del cercatore. La sua musica sembra dire che l’improvvisazione non è un atto di libertà assoluta, ma un modo per ascoltare il silenzio tra le note, senza spingersi in radicalismi militanti.
Nato a Port Chester, New York, nel 1944, Abercrombie si è formato al Berklee College of Music, dove ha respirato il jazz di Miles Davis e John Coltrane, ma anche le nuove frontiere elettriche di Hendrix e del rock psichedelico. Fin dagli esordi con i Dreams e con Billy Cobham, mostra un suono personale: liquido, trasparente, capace di piegare l’elettricità a un’intimità poetica. Negli anni ’70 entra nell’universo ECM di Manfred Eicher, un incontro destinato a durare. Lì trova la casa ideale per la sua estetica sospesa tra improvvisazione e contemplazione. Album come Timeless (1975), con Jan Hammer e Jack DeJohnette, o Gateway con Dave Holland e lo stesso DeJohnette, restano pietre miliari per eleganza e profondità. Abercrombie definisce uno stile e non è cosa comune se ci pensate un attimo. Seguire uno stile è decisamente più semplice.
Il chitarrista americano non è mai stato un virtuoso esibizionista. La sua chitarra, che fosse elettrica o acustica, sembrava più interessata all’aria che circola attorno ai suoni che non alla velocità del fraseggio. È un musicista “pittorico”: le sue linee di chitarra non raccontano, ma suggeriscono; non dichiarano, ma evocano. Possiamo azzardare un “chitarrista impressionista” per definirlo? I suoi dischi degli anni ’80 e ’90 — Night, Current Events, Open Land — esplorano paesaggi sonori sempre più sottili, dove il jazz dialoga con la musica da camera e con l’elettronica più rarefatta.
In un’epoca in cui il jazz cerca nuovi travestimenti per sopravvivere, Abercrombie non ha mai ceduto al manierismo. Ha preferito restare fedele a un’idea di musica come ricerca spirituale, come gesto introspettivo. Lo si avverte anche nei progetti più collettivi, dove la sua presenza è discreta ma incisiva e decisiva: da Charles Lloyd a Ralph Towner, da Enrico Rava a John Surman. Ogni nota è una piccola confessione, ogni pausa un atto di fiducia e ascoltandolo non passa mai inosservato.
Quando negli anni 2000 il suo quartetto con Mark Feldman, Joey Baron e Marc Johnson prende forma, quella formula diventa il suo laboratorio definitivo: jazz da camera contemporaneo, dove l’improvvisazione si intreccia a una scrittura quasi poetica. È la sintesi di una vita passata a cercare un equilibrio tra razionalità e intuizione. L’ultimo periodo della sua carriera, segnato da dischi come Within a Song, è un ritorno alle origini, un omaggio a Coltrane e a Bill Evans, ma anche una riflessione sulla memoria stessa del jazz. Un lascito.
Musiche malinconiche perdonatemi, ma va così in quest’autunno in cui mi vedo circondato dalla sofferenza di persone care con un’intensità che non ti aspetti mai, ma che è lì, nelle loro perdite, nel loro mordere la solitudine e l’incapacitazione o la sofferenza del corpo. Abercrombie è anche dolcezza non solo malinconia.C’è qualcosa di profondamente umano nella musica di John Abercrombie.
Forse perché non impone mai la propria presenza, ma la offre. In un mondo che urla al punto da renderci sordi nel cuore, lui sussurrava. E in quel sussurro si cela un universo intero. La sua chitarra è una voce che non cerca applausi, ma comprensione. Come molti grandi artisti ECM, sembra suonare più per la notte che per il giorno, per i momenti in cui la vita rallenta e l’ascolto diventa un atto di resistenza gentile.
Ripensarlo oggi significa ricordare una certa idea di bellezza — sottile, non gridata — e una dedizione rara all’arte dell’ascolto. John Abercrombie ci ha lasciato, ma la sua musica continua a vibrare in quello spazio sospeso dove si incontrano jazz e silenzio. È il luogo in cui, ancora una volta, il suono diventa pensiero e il pensiero si fa suono. CLICCATE QUI per ascoltare la playlist originale che ho cucinato per voi con le musiche di John Abercrombie. Buon viaggio.
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John Abercrombie: jazz
If you listen to a lot of music, it gradually seeps into your consciousness or your unconsciousness and comes out in your music
To be creative and spontaneous, you have to live with imperfection.
John Abercrombie
A photo of the artist in his youth, though our musician today now rests far from our earthly dimension. At seventy-two, he left us — yet he also left behind wonderful music that can still be loved intensely, at least by the one writing these lines. There are artists who never seem to belong entirely to one era but move through it discreetly, like gentle shadows.
John Abercrombie was one of them. A guitarist with a classical background, a jazz musician out of necessity of soul, and an experimenter out of pure curiosity, he managed to unite introspection and avant-garde, melody and risk. Two worlds coexisted in him: the composure of training and the restlessness of the seeker. His music seems to say that improvisation is not an act of absolute freedom, but a way of listening to the silence between notes — without pushing into militant radicalism.
Born in Port Chester, New York, in 1944, Abercrombie studied at the Berklee College of Music, where he absorbed the jazz of Miles Davis and John Coltrane, but also the new electric frontiers of Hendrix and psychedelic rock. From his earliest days with Dreams and Billy Cobham, he revealed a distinctive sound — liquid, transparent, able to bend electricity toward poetic intimacy. In the 1970s, he entered the ECM universe of Manfred Eicher, an encounter destined to last. There he found the ideal home for his aesthetics, suspended between improvisation and contemplation. Albums such as Timeless (1975), with Jan Hammer and Jack DeJohnette, or Gateway with Dave Holland and DeJohnette again, remain milestones for their elegance and depth. Abercrombie defined a style — and that, if you think about it, is no small thing. Following a style is far easier than inventing one.
The American guitarist was never a showy virtuoso. His guitar, whether electric or acoustic, seemed more interested in the air surrounding the notes than in the speed of the phrasing itself. He was a “painterly” musician: his guitar lines did not narrate, but suggested; did not declare, but evoked. Could we risk calling him an impressionist guitarist? His albums from the 1980s and 1990s — Night, Current Events, Open Land — explored increasingly subtle soundscapes, where jazz conversed with chamber music and with the most rarefied electronics.
In an age when jazz constantly sought new disguises to survive, Abercrombie never gave in to mannerism. He chose instead to remain faithful to an idea of music as spiritual research, as an introspective gesture. You can feel it even in his most collective projects, where his presence was discreet yet incisive — and decisive: from Charles Lloyd to Ralph Towner, from Enrico Rava to John Surman. Every note was a small confession, every pause an act of trust, and listening to him, he never went unnoticed.
When in the 2000s his quartet with Mark Feldman, Joey Baron, and Marc Johnson took shape, that ensemble became his ultimate laboratory: a form of contemporary chamber jazz where improvisation intertwined with a near-poetic sense of composition. It was the synthesis of a life spent searching for balance between rationality and intuition. The final period of his career, marked by albums like Within a Song, was a return to his roots — a tribute to Coltrane and Bill Evans, but also a meditation on the very memory of jazz itself. A legacy.
Melancholic music — forgive me, but so it goes in this autumn, when I find myself surrounded by the suffering of dear people with an intensity one never expects, yet it is there, in their losses, in their biting solitude, in the frailty and pain of the body. Abercrombie is also sweetness, not only melancholy. There is something profoundly human in the music of John Abercrombie.
Perhaps because he never imposes his presence, but offers it. In a world that shouts so loudly it deafens the heart, he whispered. And in that whisper lies an entire universe. His guitar is a voice that does not seek applause, but understanding. Like many great ECM artists, he seems to play more for the night than for the day — for those moments when life slows down and listening becomes an act of gentle resistance.
To think of him today is to remember a certain idea of beauty — subtle, unspoken — and a rare devotion to the art of listening. John Abercrombie has left us, but his music continues to vibrate in that suspended space where jazz meets silence. It is the place where, once again, sound becomes thought, and thought becomes sound. CLICK HERE to listen to the original playlist I’ve prepared for you with the music of John Abercrombie.
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