Isaac Hayes: soul, funk.
Know the business, learn the business, own something. If you enjoy the fragrance of a rose, you must accept the thorns which it bears.
I've been around a long time, and when I was at the top of the hill, I was very ahead of my time! Evidence of that is that my music is still current today - you know, rappers sample it all the time. So, rather than compromise my artistic integrity, I concentrated on movies.
Isaac Hayes
If you read the post on your phone and the button “Read in English” doesn’t work, scroll down the page: the English version is after the Italian one.
Dov’è il fondamento della musica nera? Nel ritmo, il segreto è sempre nel ritmo, lì sta il cuore culturale ed espressivo degli afroamericani, unitamente a testi che sappiano graffiare sia su un piano politico contro razzismo e segregazione, sia contestando convenzioni sociali, culturali e religiose. Isaac Hayes lo sapeva bene e non è stato solo un cantante dalla voce baritonale inconfondibile e un compositore innovativo, ma è un simbolo di emancipazione culturale e identitaria per molti afroamericani, un musicista che ha saputo unire soul, funk, orchestrazioni sinfoniche e messaggi sociali. Hayes infatti riscrive le regole del soul e dando una colonna sonora alla lotta per i diritti civili dei neri americani. Cresciuto in un contesto di svantaggio socio-economico fa della musica il suo linguaggio di sopravvivenza e riscatto. Dopo essersi affermato come autore insieme a David Porter (con cui scrive hit immortali come Soul Man per Sam & Dave), Hayes inizia una carriera solista che deflagra nel 1969 con l’album "Hot Buttered Soul".
Hayes è parallelamente anche una delle più importanti anime creative della Stax Records, etichetta di Memphis che rappresenta l’anima più cruda, autentica e politicamente consapevole del soul, in contrapposizione alla Motown di Detroit più incline al divertimentificio ed a sfornare hit senza un particolare taglio politico. La Stax è una fucina di innovazione e orgoglio nero ed è una delle prime aziende musicali americane ad avere una direzione e un roster artistico afroamericano, con musicisti bianchi e neri che collaborano liberamente nel Sud ancora schiacciato dalla segregazione. Dopo la morte di Martin Luther King nel 1968 (proprio a Memphis), la Stax contribuisce alla nascita di una cultuira afroamericana. Hayes ne incarna il messaggio nei suoi dischi veicolando essenzialment la fierezza del proprio essere nero e delle proprie origini, sviluppando un messaggio di consapevolezza politica, e una sensualità che sfida i canoni puritani dominanti caratteristici dei bianchi.
Il musicista di Memphis usa le spoken word come arma letteraria per raccontare amore, abbandono, dignità, desiderio e dolore. Ma soprattutto per raccontare con schiettezza e forza dell’essere nero in America.
In By the Time I Get to Phoenix, ad esempio, trasforma un testo d’amore in una meditazione sull’orgoglio e l’abbandono, un addio pronunciato con la calma di chi ha sofferto troppo. In Hyperbolicsyllabicsesquedalymistic, invece, mescola nonsense verbale con immagini potenti, per raccontare un’esplosione d’identità e di coscienza. Ogni parola di Hayes è un atto di affermazione. Anche quando canta il dolore, lo fa con una dignità radicale, trasformando la vulnerabilità in forza.
Il sound di Isaac Hayes è sontuoso e stratificato, monumentale. Introduce nel soul una dimensione sinfonica senza precedenti. Partiture orchestrali, flauti, timpani, cori gospel: tutto serve a costruire un mondo sonoro che amplifica il messaggio. Spesso rompe la forma strofa-ritornello in favore di lunghi sviluppi tematici, quasi alla maniera di una suite classica. Hayes amava rallentare il tempo, dilatare le emozioni, immergere l’ascoltatore in un flusso sensuale e spirituale. Il suo uso del ritmo era ipnotico, con linee di basso profonde e groove trascinanti che influenzeranno profondamente il funk, il rap e la black music successiva, che lo omaggia esplicitamente o implicitamente campionando le sue canzoni massivamente.
Il suo stile ha anticipato e influenzato l’hip-hop, diventando un riferimento per artisti come Public Enemy, Dr. Dre e Kanye West, Guru. Ma oltre all’innovazione, c’è una chiara intenzione: rendere la musica un veicolo di orgoglio nero, di bellezza, di riscatto.
Il 1971 segna un’altra pietra miliare: Hayes compone la colonna sonora del film Shaft, vincendo l’Oscar per la miglior colonna sonora originale. È la prima volta che un afroamericano vince un Oscar in una categoria non recitativa. Il brano principale, "Theme from Shaft", è un capolavoro funky con chitarroni wah-wah, archi tesi e un groove potente.
Con Shaft, Hayes inaugura lo stile musicale delle blaxploitation, film d’azione con protagonisti afroamericani che spesso affrontano, con toni pulp, i temi del razzismo, dell’identità e del riscatto sociale. C’è però in Isaac Hayes anche uno stile musicale ben preciso nel comporre soundtrack e non a caso anche Quentin Tarantino lo vuole per le musiche del suo “Kill Bill”, un Maestro del soul e un Morricone nero.
Oltre alla musica, Hayes è stato anche un abile comunicatore. Dalla scelta di portare in scena abiti africani e catene d’oro (trasformando il simbolo della schiavitù in quello della potenza) alla promozione dell’orgoglio nero, ogni gesto di Hayes era carico di significato. Il suo stile barocco, sensuale e teatrale è un atto politico: "Io esisto, e sono potente, bello, libero". Un approccio passato direttamente ai migliori artisti hip hop come Public Enemy. CLICCATE QUI per scoprire il soul corrosivo e ipnotico di Isaac Hayes e immergervi in una Memphis profondamente nera.
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Isaac Hayes: soul, funk.
Know the business, learn the business, own something. If you enjoy the fragrance of a rose, you must accept the thorns which it bears.
I've been around a long time, and when I was at the top of the hill, I was very ahead of my time! Evidence of that is that my music is still current today - you know, rappers sample it all the time. So, rather than compromise my artistic integrity, I concentrated on movies.
Isaac Hayes
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Where does the foundation of Black music lie? In rhythm—the secret is always in the rhythm, which is the cultural and expressive heart of African Americans, along with lyrics that can strike hard both politically, against racism and segregation, and by challenging social, cultural, and religious conventions. Isaac Hayes knew this well: he was not just a singer with an unmistakable baritone voice and an innovative composer, but a symbol of cultural and identity emancipation for many African Americans, a musician capable of blending soul, funk, symphonic orchestrations, and social messages. Hayes rewrote the rules of soul and provided a soundtrack for the fight for civil rights. Raised in a disadvantaged socio-economic context, he turned music into his language of survival and redemption. After establishing himself as a songwriter alongside David Porter (with whom he wrote immortal hits like Soul Man for Sam & Dave), Hayes launched a solo career that exploded in 1969 with the album "Hot Buttered Soul".
At the same time, Hayes was also one of the most important creative forces behind Stax Records, the Memphis label that represented the rawest, most authentic, and politically conscious side of soul music—counter to Detroit’s Motown, which was more inclined toward creating entertainment and churning out hits without a particularly political edge. Stax was a forge of innovation and Black pride, and one of the first American music companies to be directed and staffed by African Americans, where Black and white musicians collaborated freely, even in a Southern United States still crushed by segregation. After the assassination of Martin Luther King in 1968 (right in Memphis), Stax contributed to the birth of a new African American culture. Hayes embodied this message in his albums, essentially conveying the pride of being Black and embracing his origins, while developing a message of political awareness and a sensuality that challenged the dominant white Puritan standards.
The Memphis musician used spoken word as a literary weapon to talk about love, abandonment, dignity, desire, and pain. But above all, to frankly and forcefully tell the story of being Black in America.
In By the Time I Get to Phoenix, for instance, he transformed a love song into a meditation on pride and abandonment, a farewell delivered with the calm of someone who has suffered too much. In Hyperbolicsyllabicsesquedalymistic, he blended verbal nonsense with powerful imagery to tell the story of an explosion of identity and consciousness. Every word Hayes spoke was an act of affirmation. Even when he sang about pain, he did so with radical dignity, turning vulnerability into strength.
Isaac Hayes' sound is sumptuous and layered, monumental. He introduced an unprecedented symphonic dimension into soul music. Orchestral scores, flutes, timpani, gospel choirs: everything was used to build a sonic world that amplified his message. He often broke away from the verse-chorus form in favor of long thematic developments, almost like a classical suite. Hayes loved slowing time down, stretching emotions, and immersing the listener in a sensual and spiritual flow. His use of rhythm was hypnotic, with deep basslines and compelling grooves that would profoundly influence funk, rap, and later Black music, which often paid homage to him by massively sampling his songs.
His style anticipated and influenced hip-hop, becoming a reference point for artists like Public Enemy, Dr. Dre, Kanye West, and Guru. But beyond innovation, there was a clear intention: to make music a vehicle for Black pride, beauty, and redemption.
1971 marked another milestone: Hayes composed the soundtrack for the film Shaft, winning an Oscar for Best Original Score. It was the first time an African American had won an Oscar in a non-acting category. The main theme, "Theme from Shaft," is a funky masterpiece with wah-wah guitars, taut strings, and a powerful groove.
With Shaft, Hayes inaugurated the musical style of blaxploitation films—action movies starring African American heroes that often tackled racism, identity, and social redemption with pulp tones. Hayes had a very specific style in composing soundtracks, and it is no coincidence that Quentin Tarantino later chose his music for "Kill Bill": Hayes was both a master of soul and a Black counterpart to Ennio Morricone.
Beyond music, Hayes was also a skilled communicator. From his choice to wear African garments and gold chains (transforming the symbol of slavery into a symbol of power) to his promotion of Black pride, every gesture made by Hayes carried deep meaning. His baroque, sensual, and theatrical style was itself a political act: "I exist, and I am powerful, beautiful, free." An approach that passed directly to the best hip-hop artists like Public Enemy.
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