Grace Jones: pop.
I was born into a very religious family where everything was about setting the right example for the community and having to obey orders blindly. I felt that everyone was growing up in the world, except me. This is probably one of the reasons why I had such a rebellious attitude towards any form of authority.
Feeling like a woman, looking like a man.
Grace Jones
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Grace Jones ovvero dell’immagine che si trasforma in icona, importando le teorie di Andy Warhol sulla comunicazione e la serialità nell’arte del pop. Grace non è solo una cantante, ma un'artista che ha ridefinito i confini tra musica, moda e performance, trasformando se stessa in un’immagine, facendo del suo viso particolare un brand. Nata in Giamaica nel 1948 e cresciuta negli Stati Uniti, Grace Jones ha iniziato la sua carriera come modella e il suo approccio non a caso resta legato ad un utilizzo consapevole del linguaggio della moda spingendolo agli estremi in un’iconizzazione del proprio personaggio, che accoglie prima nel vestiario e poi direttamente sul corpo la creazione di un mito, mito costruito insieme al fotografo/fidanzato Jean Paul Goude in un florilegio di riferimenti alle avanguardie, dal Bauhaus al Futurismo.
Dopo aver lavorato come modella per grandi case di moda come Yves Saint Laurent e Kenzo, Jones si lancia nel mondo della musica. Il suo debutto discografico è con l’album Portfolio (1977), che contiene successi come La Vie en Rose. Un album sostanzialmente derivativo e bruttarello come i due seguenti, con arrangiamenti banalotti e precotti. Disco music trita e ritrita arrangiata e suonata per l’ennesima eroina di casa allo Studio 54 e decisamente prefabbricata. Il tutto si poteva concludere lì, senza infamia e senza lode, nel solito progetto anonimo imbastito a tavolino da qualche discografico in cerca di hit parade (allora i dischi si vendevano sul serio). Tuttavia mai chiudere in un giudizio una artista, possono arrivare sorprese e nel caso della Jones arrivano. La nostra si rende conto di stare annegando nella mediocrità e butta il sound disco ormai logoro costruendo dal nulla un’immagine da icona avanguardistica e cercando di renderla coerente con la musica. Chris Blackwell l’uomo che ha reso popolare il reggae in Occidente, il boss della Island Records, vede come dietro alla modella ci sia dell’altro e la porta alle Bahamas per registrare il disco della svolta e circonda la fanciulla di pezzi da 90 come Sly & Robbie che creano per lei una sezione ritmica da paura. Qualcosa di completamente diverso è alle porte.
Nasce così la trilogia di ottimi album registrati nei leggendari Compass Point Studios alle Bahamas: Warm Leatherette (1980), Nightclubbing (1981) e Living My Life (1982) uno più bello dell’altro, dove Grace mostra un’inattesa personalità da grande interprete ed icona del pop, con quella sua voce non bella, secondo gli stilemi classici, ma espressiva, graffiante, efficace e soprattutto inconfondibile. Sono album dove si mescolano sonorità reggae, rock, new wave ed elettroniche, creando uno stile particolare, capace di influenzare generazioni di artisti. Oltre alla musica, Grace Jones diventa popolare anche per il suo stile androgino e per come gioca abilmente su questa ambiguità con una presenza scenica ipnotica e mai scontata. Collaborando con Jean-Paul Goude costruisce un’immagine di sé visiva potente e avanguardista. I suoi look spigolosi, capelli cortissimi e abiti geometrici hanno fatto scuola nel mondo della moda, ispirando stilisti come Giorgio Armani e Alexander McQueen. Sono gli anni 80 e la Jones è a tutti gli effeti una delle figure capaci di creare un’estetica calata nei fenomeni artistici di quegli anni, con riferimenti a tutta l’arte del XX secolo, condita con il caratteristico sapore trasgressivo della New York di Robert Mapplethorpe e Patty Smith e del famoso Chelsea Hotel.
La cantante giamaicana porta nel pop, che è un’estetica di massa, fenomeni avanguardistici elitari dell’arte di quegli anni, declinandoli attraverso la moda, la fotografia, il cinema e la pop music veicolando il proprio personaggio attraverso linguaggi differenti. Il corpo è strumento al pari della sua voce, parlandoci con un vocabolario estremamente diretto. Grace Jones è una sorta di scultura vivente e anche il suo apparire non è standardizzato e omogeneizzato come accade oggi e lo stesso sguardo di Goude è lontano dalla peste di un immaginario incatenato a canoni esteci sempre uguali. La sua stessa immagine in quell’equilibrio androgino di cui dicevamo, allude ad un erotismo sempre presente nei suoi testi e si muove in quella devianza propria di altre popstar, su tutte Madonna, la fidanzata di Basquiat in quegli anni e torniamo alla magia della New York tra anni 70 e 80. Siamo in una ribellione che è anche uno spalancamento ad una sessualità deviante, stagione bruscamente troncata dall’epidemia di HIV. Ogni sua esibizione è nei suoi intenti un’opera d’arte visiva, dove il corpo e gli abiti diventano parte integrante della narrazione musicale. Il suo impatto è evidente ancora oggi: la sua influenza è rintracciabile in musiciste contemporanee come Lady Gaga, Rihanna e Janelle Monáe, che hanno adottato il suo approccio teatrale alla musica e alla moda.
Tra le prime comprende a pieno la centralità di fare della propria vita una sorta di opera d’arte sonora e visiva in una celebrazione mediatica. “Slave to the Rhythm” prodotto da Trevor Horn è appunto una autobiografia che si muove sfacciatamente sul filo di una celebrazione mitologica di se stessa. In una dimensione postmoderna, nell’evidenza della fine dell’ultima avanguardia, ovvero il punk e la sua declinazione esistenzialista, la new wave, la Jones comprende subito il tramonto di tutta la spinta propulsiva che ha animato dal dopoguerra la musica popolare che non scompare ma offre al pubblico simulacri come scriveva Baudrillard proprio negli anni 80: il nuovo scompare. Grace Jones sublima da protagonista il passaggio dalla fine delle ultime spinte avanguardistiche che incendiano New York tra gli anni 70 ed 80 e scomparso quel fuoco offre al suo pubblico una storicizzazione di sè, un Gran Galà di un vuoto creativo, che non a caso dopo quei tre magnifici album fa capolino anche tra i suoi dischi successivi ed in molta musica contemporanea, capace di un citazionismo e un’eterna riproposizione dell’uguale e anche di un’icona come la Jones. CLICCATE QUI per scoprire un’antologia cucinata per voi da Mr Pian Piano ed immergervi in un’estetica musicale ed artistica ancora oggi interessante e per niente banale.
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Grace Jones: pop.
I was born into a very religious family where everything was about setting the right example for the community and having to obey orders blindly. I felt that everyone was growing up in the world, except me. This is probably one of the reasons why I had such a rebellious attitude towards any form of authority.
Feeling like a woman, looking like a man.
Grace Jones
Grace Jones embodies the transformation of image into an icon, bringing Andy Warhol’s theories on communication and seriality into the realm of pop art. She is not just a singer but an artist who has redefined the boundaries between music, fashion, and performance, turning herself into an image and making her distinctive face a brand. Born in Jamaica in 1948 and raised in the United States, Jones started her career as a model, and her approach has always remained consciously linked to the language of fashion. She pushes this to the extreme, creating an iconization of her persona that she first embraces through clothing and then directly on her body, building a myth alongside photographer and partner Jean-Paul Goude. Their work references avant-garde movements from the Bauhaus to Futurism.
After working as a model for major fashion houses like Yves Saint Laurent and Kenzo, Jones ventured into music. She debuted with the album Portfolio (1977), which included hits like La Vie en Rose. However, this album, like the next two, was mostly derivative and unremarkable, with uninspired, prepackaged arrangements. It was another case of overused disco music, designed for yet another Studio 54 heroine, ultimately lacking originality. The entire project could have ended there—neither a disaster nor a triumph—just another formulaic creation by record executives chasing hit records (back when albums actually sold in large numbers). But one should never make final judgments on an artist; surprises can arise, and Jones certainly delivered one. Realizing she was drowning in mediocrity, she abandoned the now-worn-out disco sound and built an avant-garde image from scratch, ensuring it aligned with her musical direction.
Chris Blackwell, the man who popularized reggae in the West and the head of Island Records, saw something more in her than just a model. He took her to the Bahamas to record a breakthrough album, surrounding her with top-tier musicians like Sly & Robbie, who crafted a phenomenal rhythm section for her. A complete transformation was on the horizon.
Thus began a trilogy of outstanding albums recorded at the legendary Compass Point Studios in the Bahamas: Warm Leatherette (1980), Nightclubbing (1981), and Living My Life (1982). Each was better than the last, revealing Jones as an unexpected, compelling pop icon with a voice that, though not traditionally beautiful, was expressive, raw, effective, and, above all, unmistakable. These albums blended reggae, rock, new wave, and electronic sounds to create a unique style that influenced generations of artists. Beyond music, Jones became popular for her androgynous style and her skillful play on ambiguity, delivering a hypnotic and never-predictable stage presence. Working with Jean-Paul Goude, she crafted a visually powerful, avant-garde self-image. Her sharp-edged looks, ultra-short hair, and geometric outfits set trends in the fashion world, inspiring designers like Giorgio Armani and Alexander McQueen.
In the 1980s, Jones firmly established herself as a figure capable of shaping an aesthetic grounded in the artistic movements of the time, referencing 20th-century art while channeling the transgressive essence of New York’s cultural scene—Robert Mapplethorpe, Patti Smith, and the famed Chelsea Hotel.
She brought avant-garde elite art into the realm of pop—mass aesthetics—interpreting it through fashion, photography, cinema, and pop music. Her body became as much an instrument as her voice, communicating in an extraordinarily direct visual language. Grace Jones became a living sculpture, avoiding the standardization and homogenization of today’s entertainment industry. Even Goude’s gaze was far removed from the constrained aesthetic norms that dominate modern imagery. Her androgynous balance alluded to an ever-present eroticism in her lyrics, aligning her with other boundary-pushing pop stars, particularly Madonna, who at the time was Jean-Michel Basquiat’s girlfriend. This was the magic of 1970s-80s New York—a rebellion that also served as an opening to alternative expressions of sexuality, a period tragically cut short by the HIV epidemic.
Every Grace Jones performance was conceived as a visual art piece, where her body and costumes became integral to the musical narrative. Her impact remains evident today: her influence can be seen in contemporary artists like Lady Gaga, Rihanna, and Janelle Monáe, who have adopted her theatrical approach to music and fashion.
She was one of the first to fully grasp the importance of turning life into a multimedia spectacle, a blend of sound and vision in a grand media celebration. Slave to the Rhythm, produced by Trevor Horn, is an autobiography boldly walking the line between mythological self-celebration and postmodern critique. As the last major avant-garde movements—punk and its existentialist offshoot, new wave—faded, Jones quickly understood the decline of the driving force that had energized popular music since World War II. Pop music did not disappear, but as Baudrillard theorized in the 1980s, it started offering mere simulacra instead of something new. Jones herself embodied this shift: a protagonist witnessing the decline of New York’s last great avant-garde explosion in the 1970s-80s. Once that fire burned out, she provided her audience with a historicized version of herself—a grand gala of creative emptiness. This tendency became evident in her later albums and much of contemporary music, which often relies on endless citations and the perpetual recycling of the same ideas—even when referencing icons like Grace Jones.
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